« Nature morte au bouquet de lys » de Lazare Volovick incarne la quintessence de la sensibilité post-cubiste de l'École de Paris. Réalisée durant sa période de maturité créative, cette œuvre révèle un Volovick en pleine maîtrise chromatique, oscillant entre méditation mélancolique et célébration de la beauté éphémère. La composition présente un bouquet généreux de lys blancs émergeant d'un vase en grès brut, posé sur une table aux angles géométriquement simplifiés. Les fleurs, traitées en empâtements généreux, déploient leurs coroles comme des flammes nacrées contre un fond ocre-vert aux nuances sourdes. Un citron à la pulpe acidulée et un pichet d'étain aux reflets bleutés complètent cette orchestration d'objets quotidiens transcendés.
Un détail saisissant réside dans le traitement des étamines : leurs pistils orangés, esquissés en touches vibrantes de cadmium, créent un contrepoint lumineux aux pétales immaculés, révélant la virtuosité de la pâte picturale de Volovick. L'ombre portée du vase, fragmentée en prismes subtils, témoigne de l'héritage cézannien réinterprété. Symboliquement, le lys – fleur mariale par excellence – évoque ici une sacralisation du domestique, transformant l'humble nature morte en vanité contemporaine où la blancheur virginale dialogue avec la matérialité rugueuse du pichet, suggérant l'éternel conflit entre spirituel et terrestre.
Le style conjugue une modernité figurative aux réminiscences cubo-fauves, où l'ambiance intimiste est tempérée par une tension dynamique. La palette, dominée par des terres brûlées et des blancs cassés, s'anime d'accents de vert Véronèse et de bleu de Prusse, créant une harmonie tonale typique de l'École de Paris des années 1950. Volovick y exprime une poétique de la résilience : derrière l'apparente simplicité du motif se cache un manifeste sur la persistance de la beauté dans l'austérité de l'après-guerre. L'intention transcende la simple étude botanique pour devenir une méditation sur la lumière comme vecteur de transcendance, chaque pétale agissant comme un réceptacle lumineux dans l'espace pictural construit.
F.A.Q. :
1. Quelle est la période de création estimée de « Nature morte au bouquet de lys » ?
L'œuvre s'inscrit dans la production mature de Lazare Volovick, caractéristique des années 1950-1960, période où il affine sa synthèse entre structure cubiste et lyrisme chromatique.
2. Quelles techniques picturales distinguent le traitement des fleurs chez Volovick ?
L'artiste emploie un empâtement généreux en couteau pour les pétales, créant un relief sculptural, tandis que les fonds sont travaillés en glacis transparents – technique révélatrice de sa maîtrise des matières.
3. Comment cette nature morte s'inscrit-elle dans le courant de l'École de Paris ?
Elle en incarne la veine intimiste post-cubiste, mariant construction géométrique rigoureuse et sensualité méditerranéenne, avec une palette caractéristique des artistes russes émigrés.
4. Existe-t-il des symboles récurrents dans les natures mortes de Volovick ?
Le lys réapparaît comme archétype de pureté transfigurée, souvent associé à des objets vernaculaires (poteries, fruits) créant un dialogue entre sacré et profane.
5. Quelle est la valeur marchande actuelle des œuvres de Volovick ?
Les natures mortes florales de sa période parisienne, particulièrement celles aux lys, atteignent régulièrement six chiffres aux enchères internationales, reflétant leur rareté et leur importance muséale.
